Die Kostümkollektion „Nomads for Love“ ist inspiriert von den unterschiedlichsten kulturellen Quellen. Das übergreifende Sujet ist die Auseinandersetzung mit den Themen Nomadentum und Zugehörigkeit; und darüber hinaus mit der Inspiration von Festivalkultur und dem damit verbundenen Motiv des „Camping‘. Thematisch reflektiert dies die Materialwahl und das Upcycling von Zeltplanen und Schlafsäcken.
Entworfen wurde eine fiktive Tracht für einen queeren Nomadenstamm, für die „Nomads for Love“! Gearbeitet wurde insbesondere mit der Idee „Queering Tradition“. Queer definiert nicht nur sexuelle Präferenzen, sondern bedeutet die Abgrenzung von Normen zugunsten von Vielfalt. Dabei werden Elemente und Symbole einer Tradition so verfremdet, dass eine neue visuelle Aussage und Wahrnehmung der Tracht entstehen.
Eine besondere Rolle spielen bei den fünf Outfits die gedruckten und gestickten Ornamente. Diese bilden sowohl Reminiszenzen zu Darstellungen aus der griechischen Antike, traditioneller Handarbeit aus der jüdisch-kurdischen und polnischen Tradition, die Teil der eigenen Familiengeschichte des Designers sind, als auch zu den modernen Künstlern Judy Chicago und Keith Haring. Erscheinen die Ornamente auf den ersten Blick floral, offenbart der genaue, zweite Blick die Mischung aus sexuellem Lustspiel.

Die Kollektion „The Space“ beschäftigt sich mit dem Begriff „Präisraelischer Orientalismus“ und untersucht die Komplexität des Orientalismus, wie er sich am Anfang des 20. Jahrhunderts unter den zionistischen Einwanderern in Palästina entwickelte. Die visuelle Inspiration kam aus Fotografien von Abraham Soskin, die jüdische Familien in traditioneller palästinensischer Kleidung zeigen. Sie zeugen von der Sehnsucht, sich dem Osten anzugleichen und authentische, einheimische Wurzeln zu erlangen.
Die Silhouetten sind Hybride zwischen Ost und West: der traditionellen palästinensischen und der westlichen Kleidung. In ihrer konstruierten Form sind sie flach und verändern ihre Dynamik, wenn sie getragen werden. Die Stoffe aus Seide und Denim wurden bedruckt. Dazu wurde die Technik der Cynaotypie verwendet, damals eine der ersten Methoden zur Entwicklung von Fotos. Die Drucke zeigen Weizen, Hafer und Eukalyptus, die im Einklang mit der örtlichen Landschaft stehen. Eukalyptus wurde von den Zionisten aus Europa nach Palästina gebracht, um die Sümpfe auszutrocknen.

Die Frauenkollektion „Es war alles Gegenwart, die Zukunft fand ausschließlich in Science Fiction statt“ visualisiert die jugendliche Emotionalität, Impulsivi­tät, Euphorie und Widersprüchlichkeit. Kontrastierende Farben, Formen und Materialien, Volumen und Tiefe, Transparenz und Opulenz prägen die Kollektion mit ihrem experimentellem Textil- und Strickdesign.

Ihre künstlerischen Illustrationen zeigen in moderner Form ihre schöpferische Kraft. Sie nimmt dabei Wurzeln auf und überführt sie ins Heute. Entstanden sind eigenständige Kleider, die Frauen gerne anziehen, gepaart mit einer Jugendlichkeit die im Jetzt verortet ist.
Mitglied der Jury Joachim Schirrmacher, Creative Consultant

1/4 – Foto: © European Fashion Award FASH / SDBI 1 2 ... 4 ► 1/4 – Foto: © European Fashion Award FASH / SDBI Foto: © European Fashion Award FASH / SDBI Showroom beim European Fashion Award FASH. Foto: © Sebastian Reuter/Getty Images for European Fashion Award FASH 2018) Showroom beim European Fashion Award FASH. Foto: © Sebastian Reuter/Getty Images for European Fashion Award FASH 2018)

EKMA (Abk. für Ektoplasma) ist eine Gemeinschaftsarbeit zwischen Textil- und Modedesign. Die Womenswear-Kollektion thematisiert die Bereiche Spiritismus und Mediumismus, vor allem aber die Materialisierungsphänomene des Parapsychologen Albert von Schrenck-Notzing. Durch Manipulation erhielten die Stoffe neue haptische und visuelle Eigenschaften. Es entsteht ein Zusammenspiel aus reduzierten und opulenten Silhouetten, milchig-durchscheinenden Schichten, Moiré-Effekten und fließenden Oberflächen.

1 / 6 – Photo: © Franco P. Tettamanti / SDBI 1 2 ... 6 ► 1 / 6 – Photo: © Franco P. Tettamanti / SDBI Photo: © Franco P. Tettamanti / SDBI Photo: © Franco P. Tettamanti / SDBI Photo: © Franco P. Tettamanti / SDBI Photo: © Franco P. Tettamanti / SDBI Photo: © Franco P. Tettamanti / SDBI

Tomasz Szadel experimentiert in seiner Männerkollektion „PXL.“ mit Materialien, Strukturen, Oberflächen und Schnitten. Sie ist inspiriert von dem Prozess der digitalen Manipulation zwischen Freiheit und Kontrolle. Die erarbeiteten Pixel, Strukturen und Flächen schaffen kontrastreiche Muster bis hin zu optischen Irritationen, die als Moiré-Effekt bekannt sind. Mittels Sieb- und Digitaldruck (teilweise reliefartig hervorstehend), mehrfarbigem Jacquardstrick oder Lasercutstrukturen entsteht eine spannungsreiche, taktile Kollektion. Überlagerungen, drapierte, teils verdrehte Schnitte, asymmetrische Linien und verzerrte Proportionen führen zu weichen, runden bis skulpturalen, kantigen Formen mit unterschiedlichen Volumen. Die mal sportlichen, mal eleganten 35 Kleidungsstücke ergeben zehn Outfits, funktionieren aber in vielen Kombinationen.

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„Drawellink Places“ ist ein interdisziplinäres Projekt zwischen Mode und Malerei, Berlin und Barcelona, Zwei- und Dreidimensionalität.
Entstanden ist ein vielfältiger und flexibler Auftritt einer Marke in den Medien Kleider, Taschen und Accessoires mit dem Potential für weitere Produkte und Erlebnisse. Das Konzept wurzelt in der Street Art und Couture. Es wurde ganzheitlich mit adäquaten Techniken umgesetzt. Mit seiner hohen poetischen Kraft wird der Nutzer zum Spielen und Personalisieren eingeladen. Die Taschen und die Kleidung sollen zu einem Stück vom Träger und seiner Geschichte werden.
Alle Produkte sind vielseitig nutzbar. So kann die Allrounder Bag groß und klein sein. Sie kann auf dem Rücken, über der Schulter und quer um den Leib getragen werden. Die Office-Picnic-Land Bag wird im Park zum mobilen Arbeitsplatz. Und die Travelart Bag interpretiert die „Kunst des Reisens“ als Kunstreise und bietet nach dem Motto von Oskar Schlemmers „KiK – Kunst im Koffer“, Raum für sperrige Arbeitsmaterialien.
„Drawellink Places“ ist zudem ein Plädoyer das Entdecken, Erforschen und Bewusstwerden, kurz das Sehen neu zu lernen, jenseits von normierten Bildern und uniformierten Erwartungen. Für Karen Scholz und Joan Tarragó Pampalona ist das Zeichnen eine Antwort auf die Inflation der digitalen Bildwelten. Daher sind die gezeichneten Monster Fokus und Zentrum des Projektes. Sie sind weit mehr als Dekoration, sondern Animation, und werden selbst zu Kleidungsstücken. Die Kleider und Taschen schützen und schmücken, sind Imageträger und Lebenskonzept. Bei aller Innovation ist der Nutzen im Alltag gegeben.